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宜蘭曾匯方美術補習班--宜蘭縣(市)立案補習班、美術性向測驗、宜蘭美術補習班考古題、美術班術科科目、美術鑑賞考試、宜蘭美術教室、免費網路畫展、美術招生~素描、水彩、國畫、陶藝、幼兒美術、兒童美術、素描班、升國小美術班、升國中美術班、升高中美術班、升學補習班、考國立藝專、考復興美工、考大學美術系。

                                                                                       

 

開班課程:

【 曾 藏 中心

新生收費:第一期4500(含材料),第二期以後3000元。

學費一期兩個月3000(8堂課) / 可每週上一堂或選擇每週上二堂 ,第二堂學費打九折。

叮嚀:每週上兩堂適用者→1.對美術極有興趣者2.想快速有進步者。

材料一套:1500 ( 分為 私人用品 + 公用材料 )

私人用品:1.飛龍粉臘筆362.螢色畫棒243.雄獅彩色筆484.飛龍水彩255.小調色盤

                  6.作品8K收集冊7.油性奇異筆 8.送曾匯方美術工具袋

公用材料:1.廣告顏料→螢光三色、白色、黃色共5 2.水彩筆5 3.勾邊筆、油性、細字筆

                  4.低捲筆黑色 5.鉛筆、擦子 6.免費供應圖畫紙、書面紙。

    假:請於前一週至後兩週內補課(提供三週內來補課)、不想補課者也可放棄補課權益,

                不退費不順延。

加    課:可作為指導學校美術比賽及參加全國徵畫比賽用途,每堂500

上課內容多元化:線畫、蠟筆畫、水彩畫、綜合媒材、水墨畫、貼畫、版畫、想像畫、靜物

                 風景人物寫生、主題創作、油土捏塑、炭筆畫、鉛筆素描、國畫等等。

               引導孩童內在心靈的滿足、快樂、獨立思考與情感的表達。

               落實美術教育是以健全人格、平衡身心與開啟創造力。

美術是一切設計相關領域的基礎,而兒童又是未來發展方向的主導者,兒童美術也就是未來國民生活環境與品質的美感根基來源。

基礎美術教育如能從小紮實於生活中與課程中,靜待10年後便能開花結果於台灣生活環境之再次提升,以迎頭趕上歐美、日本等生活品質與美感素養超佳之先進國家。

本人長期置身於美術基礎教育底層,有感台灣近10年來,因隨教育體制及時代潮流變化影響,以致美術教育式微。

受影響的層級尤以學齡前至小四以下在學生為甚,因小四以下在學生幾乎享受不到校內專任美術教師的教導與薰陶,此與教改前時代相比,真令人感到不安 。

 本課程之授課內容是以『指導者之自我提升』為開課目的,所以學員可預期的收穫即為

 1. 經由系統化的講解,以理論基礎對於『兒童畫』建立明確的概念。

 2. 上過一期之後能讓沒有繪畫底子的人,也可以勇與指導出超水準的作品。

 3. 透過講師的經驗分享及重點式傳授,可供在職者容易上手,隨手運用在課堂中。

師 資 班 課 程 大 綱

※兒童畫作瀏覽與欣賞,班務及課程進行需求交流

※藝術創造對人的重大影響力 (講述+範例說明)

※漫談培養兒童生活美感的重要性與如何培養 (講述+範例說明)

※你雖不會畫,也可以畫出超高水準的兒童畫 (講述+範例說明)

※指導者必須具備的簡易美感基礎 (講述+範例說明)

※畫題的選擇很重要,也很多元化 (講述+範例說明)

※發展式的五段教學法 (講述+範例說明)

※當他說『我不會畫』時,你應該怎麼做?  (講述+範例說明)

※台灣兒童畫常見的問題與指導者應對方法 (講述+範例說明)

※指導兒童畫應採取之特殊角度與觀點 (講述+範例說明)

※如何去欣賞育與讚美兒童畫巧妙的給予適當的批評

兒揑土課程 :

     

     

幼兒畫小魚課程 :

  

     

幼兒聖誕節課程 :

    

    

兒童水彩課程 :

     

     

     

進階素描課程 :

     

           

《運用空間的技巧》

  藝術家愈是把重點放在藝術品的整個表面上,他愈可能把它當作是一個物理的、可觸及的客體。在克林特﹝Gustav Klimt﹞的油畫《公園》﹝The Park﹞與特林吉特印地安人﹝Tlingit Indian﹞的《編珠項鍊》﹝Beaded Collar﹞飾品中,由油彩或玻璃珠所做成的這些作品,所給人的印象反映出這了種概念。


 因為我們意識到塗了油彩或綴了珠子的「表面」(Surface),才注意到這幅油畫與這個項飾是真實的物體。這隻亞可馬印地安人﹝Acoma Indian﹞《陶瓶》﹝Jar﹞上由各種形狀構成的圖案,就是因為這緣故,而使我們注意到它是一個三度空間次元的物體。

  不過,我們對這三度空間次元物體的理解,不同於從其它三度空間次元藝術作品所體會到的。我們不但把這隻印第安瓶,看作是有某特定形狀的三度空間次元的物體,同時也感受到它的內部。我們所以如此感受,是因為包著這隻瓶子表面的圖案強調這瓶子是隻容器。我們因而把這瓶子看成一個包容某種事物的形體。

  

  製作它的藝術家感興於蛙身體那種立體塑形感的特質,把它加諸於這瓶子的基本表面上,並且塑成這樣一種形狀。以致於要不是因為那把手,我們簡直會把它看作一件雕塑品。

  這件霍霍堪印地安人﹝Hohokam Indian﹞的《貝殼裝飾品》﹝Shell Pendant﹞,也有這種雕塑品的效果。

  這位霍霍堪藝術家切刻貝殼的表面,但並未破壞其原來形狀,而利用其形狀來暗示一隻平伏地面上的青蛙的身體。縱使就結構言,,它是一個包容著空間的物體,我們仍把它看成是實心的東西。 但是這隻拿及卡印地安人﹝Nazca Indian﹞的《陶瓶》﹝Jar﹞,就不同了,它表面上暗示出來的動物形貌的確暗示出這雙瓶子是個容器,因為那些塗繪在瓶面上的蛙腿與眼睛等簡單指示,強調了瓶的隆起形狀。

  製作它的藝術家,在青蛙鼓起的身體上看到一種與瓶的形狀基本性質相呼應的形狀。這瓶子光滑而完整的表面,加上對一種動物形狀的指涉,使我們意識到這瓶子包容著內在空間。美國現代摩天大廈的先驅建築家蘇利文 ﹝Louis Sullivan﹞,所面對的問題,與這位拿及卡印第安人所要解決的,大為不同,但這位建築家對於《確保大廈》﹝Guaranty Building﹞之基本性質的概念,卻像這位印第安人看他那隻瓶子的方式。

  藉著它們表面特性的處理,這座建築物與這隻瓶子清楚地顯出它們所包容的空間。蘇利文不容許任何細節來干擾我們對整面牆的注意。這個設計的每個成分,都旨在造成一個高聳的,像貝殼似的結構之效果。他把許多的窗戶都切進到牆的平面中去,使那牆看起來有如一個平面。

  那些把這建築物整個兒高度顯出來的淺的、拱形的長方嵌條中的窗戶,很快地把我們的視線帶過牆面而達到頂部,牆在此處向外彎出而形成一個飛簷,彷彿一隻花瓶展開的上緣。那些圓窗更進一步加強這種相似性,它們位於這座建築物的頂端,其作用恰似花瓶口緣一帶的裝飾。

 

  如果說蘇利文的建築物令人想到一隻花瓶,那是因為他以陶瓷匠同樣的態度來設計它的緣故,陶瓷匠用一種持續不斷的動作來塑出他瓶子的瓶身,然後,在裝飾它時,他也不用突出的裝飾物來破壞其光滑的表面。而利用一種平坦表面的設計來強調其基本形狀。

  不過,這樣一個上昇面的最簡單的分節式設計(articulation),卻足以使我們把作品看成是從外形設想來塑造的,而非包容了空間的物體。這隻《中國的酒器》﹝Chinese Ku﹞就是一例。雖然我們對於這酒器逐漸上昇的弧線〈從一個狹窄的基部向一個較寬的頂部〉特別敏感,我們也同樣注意到其不同部分間的微妙平衡。

  因為基座那些裝飾性的凸緣,以及稍高處的凸緣,分別中斷了這道上昇弧的持續形狀。配上那些精心安置的雕刻裝飾,這些額外加上去的凸出點綴,使我們的注意力都集中在這隻器皿由重點關節整合成整體的設計上。我們注意到邊緣與基座之間的相互關係,以及那上昇的弧線使它們保持於平衡中的作用。

  結果,我們就會把這隻器皿,看成是一種實心形體在平衡形態中一種美的安排,有點像建築上的基部,廊柱與柱頭的結合。由於這隻中國酒器是依這種方式構想的,它就不會給人「它是隻容器」的印象,儘管它的實際用途確是容器。

  在那些我們同時注意到一個物體的外形及其所包含空間的例子中,空間的特性,對於這個物體所給人的印象,有很重要的作用。同樣,當一位藝術家創作一件作品時,他也意識到,他不但是在把形賦予製作的材料,同時是在塑造或形成一種空間。藝術作品的性格,乃是基於這兩種因素間的相互作用而顯露出來的。

  例如,貝維斯納﹝Antoine Pevsner﹞的雕塑作品《伸展的柱形》﹝Developable Column﹞,就是按照材料本身那樣可見又可瞭解的空間關係來構想的。

  

  這種感覺並非完全由於這作品的迴旋形,而是因為我們注意到被它掌握在堶悸漯韃﹛C這個空間除了使我們感覺到那些包裹著它的圍牆之力量之外,也把這個金屬作品轉變成一個活的有機形體。同時,空間與實心材料間的平衡,給予這件作品一種安定性,使其有可能繼續成長,進而去包含更多的空間。我們現在所看到的,彷彿是其生長中的一個暫停的階段。  

  但是在馬諦斯所作的這座人像上,其四肢雖然顯得重而堅實,但卻使人覺得它們是能夠動的。這座人像所展現的空間與實體之間的相互作用,加強了由它的姿勢而使我們聯想到那種肌肉緊張的狀態。其雙臂所圍繞與界定出來的空間,不僅僅是實心材料中的空洞,卻同時會使我們留意到那包圍著整座塑像空間的「開口」(Opening)。

  它們把這空間的一小部份加以引導,而使我們意識到空間環繞整座塑像的流動。結果,這使得座塑像擁有了一個大於其實際所佔有的空間量,亦即我們覺得這個人像能夠產生的動作所劃分出來的一個區域。從這種虛與實之間的相互作用,讓這個人像有著十分動人的生命力。

  我們在馬諦斯塑像中看到的空間與實心材料之間的關係,和貝維斯納的作品相反,後者是實心材料把空間團團圍了起來。在馬諦斯作品堙A空間流動在人像的四周與堨~,而把那實心形體團團圍起來。亨利.摩爾﹝Henry Moore﹞所作的這座《斜臥的人體》﹝Receling Figure﹞,又與這兩件作品都成了一種對照,它具有一種更難明確界定的虛與實之間的關係

  一方面,實心的材料把幾塊空間包圍起來;但另方面,這些空間似乎又從同一材料中產生一種不同的形體。我們弄不清楚到底是材料創造了空間,亦或空間的形狀凸顯了實心的材料。進一步我們又發現,假如我們換個位置來看它,這座塑像竟能把它自己轉變成一個全新的形體,於是這座塑像內外形狀之間的曖昧關係就益形複雜。

  在我們對這座塑像的體驗中,特別重要的是那透徹地貫穿運行在這件作品堛漯韃﹛C它以這種獨特的方式把各部分結合成一體,以致於我們不把這作品看作一個具有兩個不同方面的物體,而看它是一個在運動中的形體。因此,隨看我們從這塑像的一面看到另一面,這形體也跟著動了起來。這些形體所暗示的意象,一個斜倚著的女人,總是改變它的位置來面對著我們。

  在亨利摩爾的這座塑像中,空間才是一種真正的實體,在藝術家的心目中,它的形狀與性格其重要一如物理材料的形狀與性格。摩爾能夠清楚地從一個物體的內空間與其外空間兩方面去看它。對於我們來說,一個物體的這兩方面以及它們之間的關係,都是不容易掌握與理會的。

  為了幫助我們理解這些方面,也為了澄清他們自己對這些方面的理解,藝術家們有時候藉助圖表來說明這些關係。柏魯齊﹝Baldassare Peruzzi﹞就是應用建築藍圖來顯示《羅馬聖彼得教堂》﹝Plan for St. Peter's, Rome﹞內的空間意義。為了圖示這個藍圖各部分所佔有的空間,柏魯齊按照一個連續的秩序把它們表明出來。


 

  因為烏切羅把這隻聖餐杯看成由一套互相扣在一起的面所構成的,於是能透過一個線條組成的網狀結構來呈現其外形及內部的空間。烏切羅為了描繪這隻聖餐杯的基礎結構而略去其表面的形貌,他所顯示的不是一隻器皿的外貌,而且是三度空間的圖解。使用此方法,烏切羅使我們注意到,這隻聖餐杯既是一個其中有空間的、用材料製成的物體,也是一個被材料形體所圍繞的空間的形狀。

  為了在雕塑中獲得烏切羅的圖解線條那種效果,賈勃﹝Naum Gabo﹞使用了透明的塑膠薄片為材料的作品《螺旋的旋律》﹝Spiral Theme ﹞。不過這件作品並未使用會限制空間的元素來界定空間,而似乎是空間自身的一種結晶狀態。

  空間,這種不可觸及的元素出現在各種形狀中,這個塑膠的迴旋形狀記錄了其中之一,猶如冰是水的形狀之一種記錄般。在塑膠與冰這兩者中,我們得以看到那原本沒有它自己實際形狀的一種元素。賈勃的透明塑膠結構,是空間種種可能之形狀之一,就像顯微攝影相片中所顯示的一堆肥皂泡結晶狀的結構,它們有如磚塊與灰泥砌成的牆壁那麼真實而可觸及。

  賈勃表達了某種類似空間世界的東西,從而使我們意識到那空間的存在。建築師裴雷瑞與陸克曼﹝Pereira and Luckman﹞在美國聖地牙哥共同設計的一座《迴旋斜坡道》﹝Spiral Ramp﹞就是用類似的方式來運用空間。


 

 

  我們在這堣]遇到被圈起來的與開放的兩種空間。當我們走上柏拉芒德的《迴旋塔》時,我們意識到正在穿過一個由稠密的空間所造成的通道,它圍繞著一個由開放空間所構成的中央核心,這部分是我們進不去的。雖然我們知道,就物理空間而言,這兩個空間區域是連續的,我們還是會把中央核心的空間看作是切進到這整個迴旋塔空間中去的一個空洞。

  不過,如果我們繼績向上走,那些圍繞著這個中央空洞的欄杆會使我們注意到:中央部分的空間也有一個幾乎可以觸知的個別形體。從我們所站的那塊比較暗的,也似乎比較稠密的空間看出去,中央空間的外形與性質,乃因為從上面瀉下來把它穿透的光線而有了「實質」的存在。

  它成了一根用空間做出來的柱子,被一排迴旋路的欄杆所圍裹著。顯然,柏拉芒德設計所根據的,是經清楚界定兩個體積空間外形的關係。因為這兩個外形之間的運動的相互配合,使我們意識到空間在四處流通,同時又直接從底部昇向屋頂,被實心的迴旋路所描出來的迴旋形狀,形成一個持續的運動。就這方面言,柏拉芒德的傾斜塔與前一例子是一個對照,前者,迴旋路是一個被凍結住的迴旋形,飄在持續無間的空間堙C

  因為我們方才是看柏拉芒德的迴旋傾斜塔,現在乍一看見這個《凡爾賽宮皇家禮拜堂》﹝Royal Chapel of the Palace at Versailles﹞中用角柱與圓柱所構成的屏風,一定會想起前者來。


 

  我們對這個空間的所有印象,是如此迅速地一個接著另一個而來,快到於我們的體驗是在瞬間發生的,我們覺得我們正好在安得烈被提昇到聖域去的當兒進入這教堂的。圍著淺色拱形的一圈窗戶所照進來的一道光暈,分開我們所處較暗的空間與聖安德烈被提昇上天國的氛圍。那填充拱形的空間似乎也一直懸浮著,在我們頭頂上面行成一個半圓形幾乎不動的空間。

  像曼沙爾,貝尼尼也利用空間來使我們明白各不同層次的存在其中間的關係。我們在這兩座建築物中得到的不同經驗,在於這兩位藝術家各以不同的方式,把空間設想為一種幾可觸知的實體:其一創造一個讓我們觀看保持在平衡中的空間;另一個則創造一種讓我們經驗空間流動效果的關係。貝尼尼使這教堂的空間在我們看來如此真實,以致於,就如同我們觀看亨利摩爾的雕塑時所經驗到的一樣,:我們不能確切知道:是實體的結構形成空間,亦這空間是由實心形體所賦形的。

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